ジャンゴのJazzNote

フランスの名門ヴォーグ・レーベルについて

かつて、90年代の終わり頃に、ヴォーグ・オリジナル・LP・コレクションと称して、BMGジャパンから、スイング／ヴォーグ・レーベルの名盤がLP盤で全２０タイトル復刻された。スイング／ヴォーグ・レーベルは、アメリカのブルーノートと並ぶ、ヨーロッパの名門ジャズレーベルであり、フランス・ジャズを代表するレーベルとして知られている。

●スイング／ヴォーグ・レーベル

黄金時代のフランス・ジャズを代表するヴォーグ・レーベルの前進は、スイングレーベルである。スイング・レーベルは、1937年にフランス人コレクター、シャルル・デロネイとジャズ評論家のユーグ・パナシエによって設立された。パナシエは、地元のジャズファンクラブ、フランス・ホット・クラブの会長をつとめた人である。

1937年から51年までスイングは、フランスで著名なパテ・マルコーニ傘下のレーベルとしてスイングジャズ系の多くの録音を手がけた。ジャンゴ・ラインハルトもその中に含まれる。1951年にヴォーグに名称変更され、スイングの原盤はヴォーグレーベルから再発された。

50年代以降、ヴォーグのディレクターとしてアンリ・ルノーが就任する。ルノーは、ニューヨークでの録音も数多く手がけ、ブルーノートレーベルと契約する。セロニアス・モンク、デューク・ジョーダン、アル・ヘイグなどの優れたジャズピアニストの初リーダーアルバムを数多く手がけた。

●ヴォーグ・オリジナル・LP・コレクション

BMGジャパンから発売されたLPコレクションは、オリジナルに最も近いアナログマスターテープを使用し、オリジナルジャケット・デザインを採用するなど、文字通り世界初の完全復刻を試みたものである。その中には、セロニアス・モンクのソロ・オン・ヴォーグ（1954年6月6日録音）、デューク・ジョーダン・トリオ（1954年1月28日録音）、アル・ヘイグ・トリオ（1954年3月13日録音）や、ヴォーグのディレクターであるアンリ・ルノー自らが演奏したピアノトリオアルバム、アンリー・ルノー＆ヒズ・トリオ（1953年10月5日、パリ）をはじめとする多くの名盤が含まれる。

 <参考文献：ヴォーグ・オリジナル・LP・コレクション(BMGジャパン)ジャケット帯・裏面解説>

■アーノルド・ロス・トリオ

1952年4月1日、パリ録音

アーノルド・ロス(p), ジミー・ベンジャミン(b), ビル・クラーク(ds)

ジョー・パス(g)との共演で知られる、白人ピアニスト、アーノルド・ロスが残した唯一のトリオアルバム。

■ウェイド・レグ・トリオ

1953年2月27日、パリ録音

ウェイド・レグ(p), ルー・ハックニー(b), アル・ジョーンズ(ds)

ディジー・ガレスピー楽団で活躍したピアニスト、ウェイド・レグのピアノ・トリオ盤

■アンリ・ルノー・クインテット

1953年11月2日、パリ録音

アンリ・ルノー(p), ジミー・ガーリー(g), ジャン=マリー・イングラン(b), ボビー・ジャスパー(ts), ジャン=ルイ・ヴァイル(ds)

ルノーが敬愛するジジ・グライスの作品をとりあげた名盤。

■ジミー・ジョーンズ・トリオ

1954年10月28日、パリ録音

ジミージョーンズ(p),　ジョー・ベンジャミン(b),　ロイ・ヘインズ(ds)

名盤ヘレン・メリル・ウィズ・クリフォード・ブラウンでピアノを担当したジミー・ジョーンズの希少トリオ盤。

■マーシャル・ソラール・トリオ

1954年11月9日＆10月28日、パリ録音

マーシャル・ソラール(p), ジャン=マリー・イングラン(b), ボビー・ジャスパー(ts), ジャン=ルイ・ヴァイル(ds), ジョー・ベンジャミン(b), ロイ・ヘインズ(ds)

50年代のフランスを代表するピアニスト、 マーシャル・ソラールのトリオ盤。

■ソロ・オン・ヴォーグ／セロニアス・モンク

1954年6月7日　パリ録音

セロニアス・モンク(p)

当時不遇を囲っていたモンクに注目した、アンリ・ルノーが制作した貴重なソロアルバム。

■デューク・ジョーダン・トリオ

1954年1月28日　NY録音

デューク・ジョーダン(p),　ジーン・ラミー(b),　リー・エイブラムス(ds)

ブルーノート・レーベルの名盤、フライト・トゥ・ジョーダンでお馴染みのピアニスト、デュークジョーダンの記念すべき初リーダーセッション。

■ジョージ・ウォーリントン・トリオ

1953年9月24日　パリ録音

ジョージ・ウォーリントン(p),　ピエール・ミシュロ(b),　ジャン=ルイス・ヴァイル(ds)

バド・パウエルの流れを汲んだ白人バップピアノの名手、ジョージ・ウォーリントンの初期の代表作。

■ルネ・トーマ・クインテット

 

■ジミー・レイニー　ヴィジット・パリス

■ボビー・ジャスパー　ニュージャズ（２）

■ジジ・グライス=クリフォード・ブラウン・セクステット

■リーコニッツ・プレイズ

■アンリ・ルノー・オールスターズVol.1

■ボビー・ジャスパー＆アンリ・ルノー・クインテット

 

 

 

ジャンゴのエリントン・ノート -その3- 不思議な風景

エリントンの森、この不思議な世界。

いったいこの森は、どういう森なのだろう。これまで経験してきたジャズの森とは全く異なる別次元の世界のようにみえた。森の入口もわからない。どこから入ってよいのか全く検討もつかない。しかし、それだけに他のどんなジャズよりも興味がわく。遠くから聞こえる音色は、昔なつかしいニューオリンズのクラリネットやトランペットの響き。入口がわからずどれがこの森のルートなのかも知らずにとにかく足を踏み入れた。

異様な風景だ。これまで見たことのない景色。双眼鏡をのぞいてみると、確かにジャズのイディオムがみえる。ニューオリンズスタイルからスイング、ビバップ、モダンなどあらゆるジャズのイディオムが、あたかもそれらをすべて飲み込んだように存在している。でも、全体を見渡すと、これまで親しんできたジャズのどのスタイルにも当てはまらない。ある部分だけを観察すれば確かにジャズだ。でも、その風景は明らかにジャズを超えている。また、その風景は、全くのエリントンという独創的で、他では決して見られない景色だ。

エリントンの森なら、A列車があるではないかと、どこからともなく聞こえてきそうだ。その通り、この森に入ってすぐに見つけたのは、A列車だった。でも、このA列車は何となく鉄道をイメージしていたのだが、現実にはNYのハーレム行きの地下鉄であり、ビリー･ストレイホーンがその地下鉄からのイメージで作った曲だった。ひとまずこのA列車に乗り、エリントンの森の裾野を見て回った。1941年のオリジナル号とともに、ベティー･ロシェの加わった1950年号にも乗った。同じA列車でも、これだけ違うのかと驚いた。時代と共にスタイルが変わっている。エリントンはいつの時代のどんなスタイルですか？と尋ねられても返答に困ってしまう。というのは、このA列車の場合でも、1941年と1950年、それに1966年のRCA録音(The Popular Duke Ellington)では、全く異なる様式で、これはエリントンのすべての曲にあてはまることだ。

同じ曲を時代の変遷にもとづき何度も録音する。しかし、それぞれが全く異なる輝きを持つ。古いほうがよいとか新しいほうがよいといった、時代の尺度での評価が全くできない。時代の移り変わりのなかで、つぎつぎと新たな時代のモードを飲み込んでいった。ところが、いくら飲み込んでも、エリントンはすべてを消化し、独自のカラーで再構築していく。あるいは、エリントン流の哲学で、時代のモードとは関わりなく全く新しい独創的なサウンドを作り上げる。

その構築の設計図は、エリントンの右腕といわれたビリー･ストレイホーンとともに、実に綿密に仕上げていく。そして、その図面には演奏家まですべて指定する。エリントン楽団は、構成メンバーの何度かの異変はあったものの、他のビッグバンドに比べると圧倒的に異動は少ない。誰1人その楽団員が抜けても成り立たないほど、有機的につながっている。バリトンサックスのハリー･カーネイは1927年の入団以来74年の逝去にいたるまで、アルト･サックスのジョニー･ホッジスは、28年の入団から70年までのほとんどの期間、いずれも大番頭として楽団を支え続けてきた。他に、トロンボーンのローレンス･ブラウン、ニューオリンズの香りを伝えるクラリネットのバーニー･ビガードなど、キラ星のごとく超一流の個性豊かなジャズプレーヤーが集まっていた。

エリントン楽団ほど楽団員の長続きしたバンドは前例がない。エリントニアンと呼ばれる個性豊かなジャズプレーヤーたちは代役が不可なほど、際だった存在であり、彼らの演奏手腕が楽団を支えていた。しかし、一度演奏が始まると、いくらジョニー･ホッジスが素晴らしいソロをとっても、すべてはエリントンの目指したサウンドイメージを忠実に構築していくための役割であり、個人のプレーヤーの競技会では決してないところに、エリントン楽団の大きな特質がある。そういった意味では一流のクラシックのオーケストラに近い存在だといえる。ベルリンフィルのクラリネットの首席奏者であるカール･ライスターさんが、いくらソリスト級の超一流奏者であっても、オーケストラでの演奏は、そのパートに徹して音楽を作り上げていくのと同じだ。

エリントンの森の風景に戻ろう。この森に足を踏み入れて、しばらく経ってからつくづく思ったことがある。それは、これまでジャズの森で経験してきたことが、この森へ入れば、とても役に立ったことである。でも、それはある演奏を聴いて、これはマイルスだとかロリンズといったように、このプレーヤーが誰であるのかわかるようになったことではなく、個人の独創的なプレーヤーの演奏を覚えたことでもなく、ジャズという固有の共通言語になじんだことだった。一言でいえば、ジャズのイディオムである。このジャズのイディオムは、ニューオリンズからコンテンポラリーに至るまで、長い時代のなかで、培われてきたものである。

ビバップは、確かにこれまでのジャズの歴史のなかで1つの革新的な出来事であった。そこにバップ･イディオムというものが生まれて、このバップ･フレーズを基本に各プレーヤーが独自に発展させアドリブを展開していく。そのアドリブのおもしろさに引き込まれてジャズの森で多いに楽しむことができた。そうしたなかで、ビバップ以前のジャズは、アドリブの醍醐味が劣るのではないかと思い続けてきた。しかし、ルイ･アームストリングのルートを遡り、スイングやニューオリンズの森を歩いて思ったことは、ビバップのように小節を細分化しすぎず、ゆったりとのびのびと歌う楽しさを発見したことだった。ニューオリンズの森での、ファッツ･ウォーラーのストライド奏法のおもしろさや、ジョージルイス･バンドの持つ熱狂と人間味豊かな温かさ、それにBasin Street BluesやSt. Louis Bluesなどに代表される、歌を伴うブルースなど、こういったジャズの持つ最も基本的なスイング力と、ブルース･フィーリングをそこでは存分に味わうことができた。また、スイング時代に多く生まれたジャズ･スタンダードといわれる魅力的な歌に出会ったことも貴重な経験だった。そういったことが、その後のエリントンの森への散策を増幅させていったようだ。（つづく）

ジャンゴのエリントン・ノート -その2- エリントンの森

これまでずっとジャズを聴いてきて、振り返ってみると今年で40年ほどになる。高校1年の時に初めてジャズのアルバムを買ったのだが、そのときのLPレコードは今でも覚えている。デイブ･ブルーベックのテイク･ファイブ(Take Five)という当時大ヒットしたアルバムだった。自分で買ったジャズのレコードは、これ一枚だけだったから、毎日聴いていた。それから、ジャズのレコードも少しずつ増え始め、高校卒業するまでには、ある程度の枚数になった。といっても高校生にとっては高価なものであり、月に一枚ぐらいのペースだった。

大学に入り、ますますジャズを聴くようになった。しかしその頃から、ジャズの世界のとてつもない広がりを知るようになり、今まで聴いていたのはほんの入口だったことがわかった。ジャズというのは、森のようだと思った。ジャズという森の入口に自分は、いま立っている。これからその森を探検し、さまよい歩くという何か未知なるものへの期待感が高まっていった。

最初に足を踏み入れた森は、モダンジャズという森。当時の最先端はマイルスのビッチェスブリューというアルバムだった。新譜紹介を読みながら、最新録音盤以外に古いものへの関心も高まった。いわゆるビバップというムーブメントを知ったのもその頃だった。ディジー･ガレスピーやチャーリー･パーカーなどの40年代のアルバムにも触れた。

このモダン･ジャズの森は、実に多彩で奥に入れば入るほど魅力が高まっていった。40年代の半ばから50年代、そして60年代へと続くその森は、今振り返れば黄金時代といわれる時代であった。ソニー･ロリンズ、クリフォード･ブラウン、マイルス･デイビス、アート･ペッパー、アート･ブレイキー、ビル･エバンス、バーニー･ケッセル、ウエス･モンゴメリー、マックス･ローチ、アート･ファーマー、バド･パウエル、MJQ、レイ･ブラウンなどいずれも小さな丘に見えたものが、近づくとさらに奥が深いこともわかった。歩き疲れたときは、いつもMJQの丘で小休止した。疲れたからだを癒してくれる場だった。ジョン･コルトレーンは超絶的な滝のように見えた。近寄りがたい崇高さが支配していた。

マイルスの丘は、道案内も豊富で、50年代のプレスティッジ時代からCBS時代へと続くルートもしっかり整備され、ジャズの楽しさを教えてくれた。マイルスの切り開いたルートを歩んでいくと、40年代のビバップから50年代のクール、ハード･バップ、60年代のモードへと、時代ごとに刻々と風景が変わり、今から思えば、途中道に迷わず、ジャズのスタイルを知るのに大変いい勉強になった。また、マイルス･ルートは、各時代ごとにサブルートを持っており、横道にそれて、マイルスの周辺のミュージシャンたちと出会うこともできた。ベースのポール･チェンバースを知り、ブルーノート･レーベルのベース･オン･トップという名盤に出会うこともできた。ビル･エバンスもそうだ。CBS時代のハービー･ハンコック、ウエインショーター、トニー･ウイリアムズ、ロン･カーターなどもマイルスのルートで知ることができた。

ソニー･ロリンズは今でも現役で、そのルートは果てしなく続いているが、実に楽しい風景だ。奥の方へ足を踏み入れても、いつもロリンズ独特の歌がその先に待っており、明らかに他とは異なる個性があった。60年代に入り、このソニー･ロリンズのルートでジム･ホールを知った。この人を知ってから、ジム･ホールというサブルートを好んで歩くようになった。振り返ってこのルートを遡ると、50年代のパシフィック･レーベル時代の演奏に出会うこともできた。これは大変な収穫だった。と同時に、ビバップ以降のジャズギターの開祖ともいえるチャーリー･クリスチャンの存在を知ることができた。チャーリー･クリスチャンはジャズギターにおけるベース･キャンプといった感じで大変居心地がよかった。ベース･キャンプで体を休めて栄養補給するように、チャーリー･クリスチャンからは、実においしいフレーズを発見することができた。

チャーリー･クリスチャンというベース･キャンプで滞在するようになってから、これまで見向きもしなかった、1940年代以前の古いルートに興味を持つようになった。それから、どんどん時代を遡り、30年代のスイング･ジャズを発見した。これはまたとてつもなく大きな森だった。いや大きな森というより、故郷と言う方が正しいかも知れない。クラリネットの素晴らしさを知った。ベニー･グッドマンは花咲く丘だった。チャーリー･クリスチャン経由でベニー･グッドマンに出会ったことは自分でも意外だった。CBSの小編成のベニー･グッドマン･コンボに加わったチャーリー･クリスチャンのアルバムは、今でも座右の愛聴盤だ。

このあたりのスイングの森を散策すると、ベニー･グッドマンとともにいくつかの丘に巡り会うことができた。カウント･ベイシーという大きな丘であり、ベイシーのルートは、1920年代から1970年へとずっと続いていくことがわかった。レスター･ヤングという金字塔とも出会った。このスイングの森を散策していると、モダンジャズの森から来たものにとって、既知の存在でもあるが、これまでなんとなく傍観していただけのルートを発見した。そのルートは、野性的で大昔から存在している原生林を突き抜ける魅力的なトレッキングコースであった。その原生林はジャズという奥深い森のなかで、現在も生き続けている力強い生命力を持った存在であり、そのルートを遡ると、ジャズという森のルーツに出会えるような気がした。

それが、ルイ･アームストロングというニュー･オリンズに起点を持つルートだった。ワイルドで生命力を持ちながら、それでいて険しくなくいつでも近寄れる身近な存在だった。20年代のOkeyレコード(現CBS)に吹き込んだ1926年の名盤に触れたとき、ジャズという森のとてつもない広がりと深さを知ることとなった。いつでも気軽に立ち寄れて、今聴いても色あせない景色。スイングするということの楽しさを一番教えてくれたルートだった。

このルートからニューオリンズ･ジャズの世界を知り、いつでもルイ･アームストロング･ルートをさまよいながら、30年代から40年代、そして戦後の50年代へと進むようになった。それ以来、ジャズは100年のスパンで聴いた方がはるかに楽しいと思うようになった。ちょうど、アメリカのアパラチア･トレールのように、そのルートは長い方がおもしろいことがわかった。ニューオリンズとスイング、そしてモダンジャズが連続して楽しめるようになったのは、このルイ･アームストロング･ルートに出会えたからで、いまでもこのルートは最も好きなルートの1つだ。

しかし、そのジャズの森で20年以上過ごし、様々なルートを1人で歩けるようになっても、1つだけ、近寄りがたく避けて通っていたものがあった。外から見ると、その森は異様で、ジャングルのように見えた。その周囲をうろついても全く森の中は見えず、想像すらできなかった。自分では、よくわからないので単にスイングの森ということで片付けていた。しかしその森はあまりにも異様で、いったいそのなかをさまよい歩いている人はいるのだろうかとも思った。森の名前は有名だが、入門書やガイドブックがほとんど見あたらない。また、身近にその森のガイド役もいない。それが、デューク･エリントンの森。

エリントンの森は、先ほども言ったように、これまでさまよい歩いたどんなジャズの森とも違った景色だった。今から10年ほど前に、ついにこの森に近づく決心をした。その理由は、モダン･ジャズの森をさまよい歩いた後、昔に遡り、スイングの森を経由してニューオリンズの森へ入り、ニューオリンズ･ジャズに慣れ親しんだときに、味わった風景や果実と少し似た雰囲気や香りがしたからである。エリントンの森の周囲をさまよっていると、どこからともなくニューオリンズの香りが伝わってきた。この森にはひょっとして、おいしい果実があるのではないかと思った。（つづく）

一日一曲の楽しみ

ジャズを聴き始めるのはいつからでも遅くはありません。思ったときがスタート。いつでも気軽に聴けばよいのです。毎日いっぱいのコーヒーを飲むように、一日に一曲ずつジャズを聴けば次第にジャズを聴いているときの心地よさがわかってきます。

現在のCDは、70分以上収録できます。これを一度に聴くのも大変なことです。1950年代の初めまでは、SPレコードといって、1分間に78回転のレコード盤の片面にわずか3分程度しか収録できませんでした。だから演奏もすべて3分程度にまとめられていました。３分というのは短いと思われるかもしれませんが、聴いているとそんなに短く感じません。十分に表現できるだけの時間です。当然その頃は、レコードそのものが今とは違って大変高価だったので、1枚のレコードを何度も繰り返し聴いていた人が多かったようです。チャーリー・パーカーの40年代の演奏なんかは、ダイヤル盤やサヴォイ盤などすべて、3分程度の短い演奏です。50年代に入ると、LPレコードが開発され、最初は10インチ盤が発売されました。この10インチディスクには、片面に3分程度の曲が4曲収録され、両面で8曲ほどだったわけです。その後、12インチ（30センチ）盤になり、片面で約20分まで収録されるようになりました。その後も、80年代までジャズのLPレコードは、両面で40分程度収録されていました。

LP時代には、1枚のLPを取り出して、ターンテーブルにのせ、1回にその片面だけをまとめて聴く人が多かったと思います。当時のジャズ喫茶でもリクエストの時に、あるレコードのA面かB面かを指定していたのです。連続して聴き続けるのは、LP片面程度の20分が一つの単位でした。ところが、CD時代になると、裏表もなく、連続して70分程度聴き続けることになります。これは相当な空き時間がないと無理は話で、ともすれば消化不良を起こしてしまいます。あるいは、BGM的にとりあえず音楽をかけておくということになります。コーヒーも一日に飲み過ぎると飽きがくるように、CDも聴き過ぎに注意しましょう。

初めての方は、SPレコードの時代のように一日一曲3分程度聴かれることをお薦めします。そのかわり、3分間その音楽に集中してください。慣れれば、LPレコード片面の20分程度集中して聴けるようになってきます。そういう習慣を身につけると、次第にジャズの演奏に自分の耳も自然に追従していくようになります。ジャズの本当の楽しさは、クラシック音楽を聴くときと同じように、集中して聴くことです。よく、ジャズはむずかしいと言われますが、それはただ何となく聴いているからです。もちろん、BGM的に聴いてもいっこうに構わないのですが、それとは別に出来れば3分間集中して聴いてください。そうすると、きっとあなたのジャズ体験は徐々にリアルなものになり、もっと楽しくなってきます。そして、いつかジャズライブに接しても、より深く理解でき、これまでと違う感動が沸き起こってくるでしょう。

ジャズを聴くオーディオ装置

ジャズのCDを聴くには、オーディオ装置が必要です。ラジカセからコンポに至るまでオーディオ装置のレベルは様々です。パソコンで聴く人も増えています。また、iPodやウォークマンなどを使えば屋外で音楽を聴くこともできます。カーオーディオもあります。音楽はどこでも気軽に聴けるようになり、これまで以上に生活のなかに溶け込むようになりました。

そういったなかで私がおすすめしたいのは、ヘッドフォンで聴くだけでなく、是非スピーカーから音を出して聴いてほしいということです。以前は当たり前のことだったのですが、あえてこのことを言わなければならない時代になりました。普段室内でスピーカーから音を出して聴いている人が、外出どきにヘッドフォンで聴くというのはまったく問題ないと思いますが、ヘッドフォンでしか聴かないとなると、少々問題です。音に対する受け止め方が変わってくると思われます。どこかで鳴っている音をこちらが受け止めるというのが基本であり、そこには空間を介在させることが大切です。ヘッドフォンは頭の中、あるいはその周囲で直接鳴り響くので、どうしても不自然な聴き方になります。結果として評価が変わってくる場合があります。

オーディオ装置は、上を見ればきりがないほど、音質、価格ともに幅があります。入門には、３万程度のラジカセや、パソコン、iPadなどの接続用スピーカーで十分だと思います。但し、ジャズは低音がかなり大切なので、できればベース音がある程度表現できるものがよいでしょう。オーディオを変えてみてそのCDの評価ががらりと変わってしまうということもあります。40万円のオーディオ装置を持ちながらCDのストックが20枚だけより、5万円のミニコンポでありながら、200枚のCDを持つ方を私は選びます。でも、実際には200枚以上ストックする人はきっとオーディオにもその内こだわるでしょう。

では、実際にどのくらいの予算のオーディオを持てば、ある程度ジャズを満足して聴けるかというと、50年代のブルーノートやプレスティッジ、リバーサイドなどを想定して考えると、やはり10万ぐらいが一つの基準になるでしょう。しかし工夫を凝らせば5万円でも可能だと思います。

一回聴いただけで判断しない

ジャズを聴くのに、様々な時代のジャズがあり、初めての人は、どれを選んでよいか選択に困ります。 最初に買ったCDが、たまたま聴きづらくむずかしいCDであった場合、それ以降は、もうジャズを聴かなくなる。これが一番困ります。一人でも多くの方にジャズを聴いていただきたいと願うものにとっては、CDアルバムの選択は大切だと常々感じています。有名なアルバムが、初めての人にとって最適かというと、必ずしもそうではありません。ジャズに限らずクラシックの場合も同じことが言えるかと思います。

クラシックもジャズもそれぞれが一つの大きな森のようなものです。そこには、すばらしい世界が広がっています。最初はさっぱりわからなくても、森をさまよっているうちに次第に見当がついてきます。初めての方は是非たった一枚のCDを一回聴いただけで判断をしないでください。名盤といわれるCDのなかには、最初はよくわからなくても、繰り返し聴いていくうちに、次第にそのよさが滲み出てくるものも少なくありません。聴けば聴くほど味わいが出てくるものが本当に素晴らしいアルバムです。CDを選ぶのにある程度の下調べは必要です。むしろそのプロセスを楽しむことが大切です。

ジャズは100年の歴史

ジャズはニューオリンズ・ジャズからコンテンポラリー・ジャズまで100年の歴史を持っています。その間、スイング、ビ・バップ、モダン、フュージョン、コンテンポラリーまで、実に多彩なスタイルが表れました。一般的には、そのなかのモダンジャズが最もポピュラーで、ジャズの代名詞にもなっています。時代でいえば、40年代後半から60年代までが、その時期に相当します。このモダン・ジャズ期に今日有名な多くのジャズプレーヤーたちが活躍し、多くのレコード資産を残しました。しかし、モダン・ジャズはあくまでジャズの一部であり、その後もジャズは生きた音楽として常に発展しています。これから、ジャズを聴かれる方、是非、モダンジャズをベースにしながらも、今日の新しいジャズや、モダンジャズ以前の古いジャズにも目を向けていただきたいと思います。そうすることにより、モダン・ジャズの素晴らしさが一層理解できると同時に、それより古い時代のニューオリンズスタイルやスイング・ジャズの良さもわかり、また、それらの資産を継承したコンテンポラリーなジャズもリアルタイムに楽しむことができ、これまで以上にもっとジャズの素晴らしさを味わうことができると思います。

ジャンゴのエリントン・ノート -その１-

デューク・エリントン。偉大な作曲家、ピアニスト、アレンジャー、楽団経営者、音楽プロデューサー、その肩書きは一言では言い表せない。自分が今、最も関心の高い音楽家であることは間違いない。

いい音楽を聴くといつまでも心に残る。ジャズもそうだ。でも、案外ジャズは普段生活の中で、いつまでもそのサウンドが頭の中で鳴り響くことは少ない。直接その音楽に接しているときだけ、ジャズを味わい、終わるとサウンドそのものはすぐに消えていく。言ってみればジャズは、瞬間の音楽であり、聴き手は演奏者のアドリブをリアルに追いかけていくのが醍醐味だ。聴いた後いつまでもそのサウンドが思い出され心に響くことは少ない。

しかし例外もある。二人の音楽家。一人はチャーリー・パーカー。何回も聴いているとアドリブフレーズの断片が記憶に残る。でも、パーカーは風のようだ。スーっと消えていく。いま掴んだと思ったら手の中には空気だけが残る。だからまた聴こうとする。何回聴いても聴きあきない。形になって残らないから聴くたびに新鮮だ。

もう一人は、デューク・エリントン。パーカーと違って、聴き終わった後いつまでも残る。頭のなかでそのサウンドが鳴り響く。オーケストラのサウンドの断片が思い出される。例えば、1957年にエリントンがシェイクスピアを読んで深く感動し、そのインスピレーションから書き上げた、Such Sweet Thunderという曲。これを聴いた後、いつまでも頭の中で鳴り響いた。ある特定の楽器が思い出されるのではなく、オーケストラのサウンド全体がいつも思い出される。

エリントンの音楽は、メロディがどうの、ハーモニーがどうの、リズムがどうのというように、分解してその特質が語られてきた。そうしないと説明がつかないからだ。エリントンのような複雑な音楽は、その特異性を指摘する上では、さまざまなアプローチから分析しなければ実態に迫ることはむずかしい。そのことはよくわかっている。自分でもいつかそういった理論を調べてみたい。でも、今はこの不思議なエリントン音楽をひたすら味わい続けたいと思う。エリントンの音楽は、ずいぶん複雑で不思議な音楽に聴こえるが、自分ではきわめて具体的でわかりやすい音楽だと思っている。もちろん聴き始めた頃は、さっぱりわからなかった。でも、聴き続けると、これほど魅力的な音楽は、そうは世の中にないと思うようになった。いやこれはクラシックの分野を含めてもである。つまり、20世紀のあらゆる音楽のなかでも、エリントン音楽は最も魅力的な音楽の一つであると思っている。しかもその音楽は、きわめて絵画的である。エリントン音楽の持つ特異なサウンド・テクスチェアは、キャンバスに描かれた絶妙な色彩を味わうときのイメージに近い。だから、エリントンの音楽は、絵画のようにいつもそのサウンドの断片が思い出される。